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El arte jazzístico de Hernán Samá

Hernán Samá es uno de los talentos más prometedores de la nueva generación de saxofonistas argentinos. En su formación musical estudió con maestros como Lastra y Cavalli. Poco a poco fue construyendo su carrera, después de haber publicado tres trabajos en dos años. En esta entrevista nos cuenta su historia, su proceso creativo y sus proyectos.

Hernán Samá, solo y con Iván Viaggio (contrabajista), Sebastian Stecher (batería) y Marcos Edward (guitarra).

28/09/2015 - Wilson Garzon

Wilson Garzon - En su formación musical, su primera escuela fue el saxofón? que profesores o escuelas de música fueron marcantes para usted? Usted comenzó por primera vez con tenor o con soprano?

Hernán Samá - Efectivamente, comencé a estudiar el saxofón como primera escuela, aunque paralelamente tomé clases de canto como un complemento. La principal escuela que me marcó el camino a seguir fue la de John Coltrane y los profesores-saxofonistas, Carlos Lastra y Ricardo Cavalli.

Me inicié con el saxofón alto, y con el correr de los años incorporé al tenor como instrumento principal, ya que mi realidad psicológica estuvo puesta en el tenor. Todo lo que escuchaba eran saxofonistas tenores y sólo algún alto.

WG - Como surgió el jazz en su trayectoria musical? cuales fueron los instrumentistas que más te influenciaron?

HS - El jazz surgió cuando me decidí a continuar mis estudios de música, tenía la opción de tomar el camino de la música clásica o el de la música popular y, como me gustaba la improvisación y además venía tocando en bandas de Rhythm & blues, Rock y Funk, la elección fue fácil. Los instrumentistas más influyentes para mi fueron los norteamericanos John Coltrane, Eric Dolphy, Tony Malaby y entre los europeos, Mats Gustafsson, Peter Brötzman, Evan Parker y John Butcher.

WG - En su estilo de ejecución como saxofonista está más próximo al free jazz o a una producción más contemporánea? Usted ya tiene un perfil mainstream?

HS - Puedo decir que mi estilo de ejecución es pendular, ya que formo parte de proyectos muy disímiles y cada uno de ellos me condiciona en mayor o menor medida dependiendo de los elementos estructurantes de la música y de los músicos con los que interacciono. Esto me lleva a poder tocar con técnicas no convencionales (slaps, multifónicos, sonidos guturales, etc), permitiéndome desarrollar un discurso desde los sonidos, o bien, tocar con elementos provenientes del jazz (ritmo-melodía-armonía). Y por sobre todas las cosas, mezclar ambos mundos.

Con respecto a si tengo un perfil Mainstream, considero que no, porque me nutro tanto en la música contemporánea (compositores del siglo XX-XXI), la electroacústica, la improvisación libre y la tradición del jazz, por citar sólo el ámbito musical. No adhiero a ninguna corriente en particular, sólo a mi búsqueda personal.

WG - En 2013 usted lanzó su primer CD 'Singularidad'. Porque usted le puso ese título? y con qué escuela se relaciona cuarteto? Ese disco representaba una síntesis de su trabajo en aquel momento?

HS - En cuanto al nombre del disco puedo decir que cada una de las composiciones tiene la particularidad de estar diseñadas con diferentes tratamientos técnicos compositivos. Además, como disco, me propuse que no estuviera presente el time feel del swing. Por esta razón titulé “Singularidad” a este trabajo.

No relaciono al cuarteto con una escuela específica ya que las formas de organizar la materia musical de cada composición provienen de diferentes estrategias compositivas. Puedo decir que la sonoridad general de grupo está dentro del marco “jazz moderno”.

WG - En el 2º CD opto grabar en formato de trío es la corriente principal? o es una continuación? en el repertorio existen 3 temas que fueron grabados en tiempo real. Eso significa que no hubo ensayos en relación a las otras 9 composiciones?

HS - En mi 2º disco “Espiriteria”, la formación que elegí fue contrabajo (Iván Viaggio), batería (Sebastián Stecher) y saxo, sin base armónica. El concepto de este disco se diferencia casi radicalmente del anterior. Estos contrastan en la no utilización de armonía modal ni tonal, la economía del material sonoro, la determinación de alturas por medio de series de notas y formas no convencionales de partes.

Las composiciones se dividen en tres grupos: las construidas con técnicas en donde utilizo el control de alturas (dodecafonismo, micromodos); las diseñadas a partir de partituras gráficas y por último, las compuestas en tiempo real. En el orden que las enumeré, las piezas van de mayor a menor determinación, es decir, de menor a mayor libertad para los instrumentistas. En el caso de las tres composiciones en tiempo real son creaciones del momento, por lo que no hubo ensayo como en el resto.

WG - Y en relación a su ultimo trabajo "Puntos Cardinales"?

HS - En el 2014 grabamos con mi amigo y hermano musical Marcos Edward el disco bautizado “Puntos Cardinales”. El concepto principal de este CD es la improvisación sin pautas preestablecidas. Con Marcos venimos tocando juntos en varias proyectos desde hace más de 15 años, razón por la que nos conocemos bastante y se hace fácil crear música compuesta en tiempo real. El total de las improvisaciones son cuatro y fueron dispuestas en el orden que se crearon.

WG - Existe otras propuestas para tocar jazz?

HS - La pregunta de si hay otras propuestas de tocar jazz, creo, que más allá de los límites impuestos de lo convenido por el estilo, es necesario bucear por otras formas de abordar el discurso musical, superando las fronteras entre otros paradigmas y formas de hacer arte. Hoy día tenemos una herencia histórica muy vasta, sólo queda sumergirse y tomar lo que más se ajusta a cada persona, según sus necesidades expresivas y no por algo impuesto, estandarizado y que no concuerda con lo que pensamos y sentimos. Particularmente lo que tomo del jazz es la actitud, el espiritu del hacer.

WG - Que es lo que usted proyecta para los próximos años? Usted está tocando en otros países?

HS - El proyecto principal que vengo elaborando hace algunos años que está en proceso, es desarrollar mi propia técnica, diseñar nuevas formas de ejecución en mi instrumento, conocer profundamente toda la materia sonora con la que trabajo y, por sobre todas las cosas, interactuar con músicos y artistas provenientes de otras disciplinas. Tocar en otras partes del mundo está dentro de un futuro proyecto.


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